Le petit mouton aime l'art

Nouvelle Vague ?

2010-10-21T13:14:00.004+02:00

Pour vous montrer que je n'ai rien contre la vidéo, comme art en général, juste contre certaines en particulier.... Voici la dernière pub GUCCI EYEWEAR, pompeusement intitulée "Nouvelle Vague", mais qui n'a de la nouvelle vague que l'emploi du noir & blanc... et encore...
Mais je dois avouer que c'est assez joli :

"Nouvelle Vague" Fashion Film A/W 2010-2011
directed by Angelo Cricchi & Silvia Morani, art direction by Riccardo Ruini @ REM,
production by Filmmaster, models- Charlotte de Calypso & Nick Rae.

Alice again

2010-03-27T13:48:00.004+01:00

Alice inspire la planète entière....
Ici Chloé Sévigny pour le Harper Bazar Russe...

Alice in Wonderland

2010-02-18T23:42:00.007+01:00

Alice inspire tout le monde. Alice is hype. Alice is Fashion. Alice est en VOGUE, mais ce n'est pas nouveau, elle l'était déjà en 2003, dans la peau de Natalia Vodianova shootée par Annie Leibovitz. Et toute la mode en personnages de Lewis Caroll...

Nicolas Ghesquière en Kitty (?), Marc Jacobs en Millepatte, Karl Lagarfeld, Tom Ford, Donatella Versace, Jean Paul Gautier en Chesire Cat, John Galliano en Reine de Coeur, Christian Lacroix en Chapelier Fou, Victor & Rolf en Twidle Dee et Tweedle Dum et Olivier Theyskens en Lewiss Caroll. Que du beau monde on a dit !

Hommage à Alexander McQueen

2010-02-12T10:20:00.007+01:00

Pour moi McQueen était le créateur fou, un peu comme Tim Burton au cinéma ou Tim Walker en photographie, il était pour moi le créateur qui emmenait notre imaginaire le plus loin. Ses créations les plus folles ont permis à tant d'autres de raconter leur histoire, en photo ou ailleurs...

SHALOM HARLOW en McQueen par SANCHEZ & MONGIELLO pour NUMERO

"The Lady who fell to Earth" by Tim Walker for Vogue UK

Le monde de Tim Burton par Tim Walker pour Harper's Bazaar

Et j'en passe, et des meilleurs...

Arthur Elgort pour Vogue, en 2004

2010-02-10T11:46:00.001+01:00

Acne Paper par Daniel Jackson

2009-11-10T10:00:00.000+01:00

Heather Marks par Hasse Nielsen pour Dansk

2009-11-09T18:28:00.000+01:00

Carmen Kaas par Dusan Rejlin pour Numéro

2009-11-08T18:24:00.002+01:00

Linda Evangelista par Steven Meisel

2009-10-31T22:30:00.000+01:00

W The Art Issue

2009-10-30T12:00:00.000+01:00

"Italian artist Maurizio Cattelan is best known for his subversive, hyper-realistic sculptures—including depictions of Pope John Paul II being hit by a meteorite, a child-size Hitler kneeling in prayer and a suicidal squirrel. For W’s Art Issue, he conceived a politically and religiously charged portfolio featuring supermodel Linda Evangelista. “She’s a still actress,” says Cattelan of Evangelista. “At the end, she was so tuned-in that all she needed were a couple of words and she knew what we wanted.”"

Photographed by PierPaolo Ferrari
Styled by Camilla Nickerson
Curated by Dennis Freedman
Hair by Jimmy Paul/Bumble and bumble;
Makeup by Stéphane Marais/L’Atelier NYC;
Manicure by Rica Romain/Lippmann Collection.
Model: Linda Evangelista/DNA.
Set design by Gideon Ponte/The Magnet Agency
Digital technicians: Alan Balian and Matthew Moss/Boxwork; color and image development by Box.
Photography assistants: Jacopo Lorenzo Emiliani and Alberto Zanetti.
Fashion assistants: Patrick Mackie, Jorden Bickham, Zerina Akers, Garrett Munce and William Kahn.

Art and Commerce par Inez Van Lamsweerde et Vinoodh Matadin pour le W

2009-10-29T11:16:00.007+01:00

Centre Pompidou, Paris
Renzo Piano and Richard Rogers

Museum of Modern Art, New York
Franz West, Maya’s Dream, 2006

Van de Weghe Fine Art, New York
Duane Hanson, Tourists II, 1988; Old Man on Bench, 1977

Museum of Modern Art, New York
Pablo Picasso,“The French Manager,” Costume for the Ballet Parade, 1917

Galerie Rive Gauche, Paris
Mel Ramos, Peek-a-boo Scarlett, 2007

Museum of Modern Art, New York
David Smith, Cubi X, 1963
Aristide Maillol, The River, 1938–43

Centre Pompidou, Paris
Ruth Francken, Eros et Civilisation, 1972
Magdalena Abakanowicz, Abakan grand noir, 1967–68

JGM Galerie, Paris
Francois-Xavier Lalanne, Tres Grand Singe Avise, 2008
Claude Lalanne, Miroir, 2009
Francois-Xavier Lalanne, Rhinoceros, 1966

Jardin du Carrousel, Paris
Aristide Maillol, La Riviere, 1938–43
Balloons Artist: M/M (Paris), Agent scintillant, gonfle a l’helium, 2007

Van de Weghe Fine Art, New York,
Duane Hanson, Tourists II, 1988

Pont du Garigliano, Paris
Sophie Calle and Frank Gehry, Le telephone, 2006

PaceWildenstein, New York
Chuck Close, President Bill Clinton, 2006; James II (detail), 2007–08

Galerie Thaddaeus Ropac, Paris
Gilbert & George, Cogs, 2008; Britishers, 2008; Jackland, 2008

Centre Pompidou, Paris
Niki de Saint Phalle, Crucifixion, 1965; La Mariee ou Eva Maria, 1963

Jardin du Carrousel, Paris
Aristide Maillol, Pomone, 1910

Musee Rodin, Paris
Auguste Rodin, Le Penseur, 1880–82

Galerie Rive Gauche, Paris
Mel Ramos
Caramia Caramello, 2007; Hav-a-Havana #13, lost painting of 1965 #44, 2004

Photographed by Inez van Lamsweerde and Vinoodh Matadin
Styled by Alex White
Hair by Christiaan; Makeup by Peter Philips/Chanel; Manicures in New York by Deborah Lippmann; Manicures in Paris by Huberte.
Models: Raquel Zimmermann/DNA and Freja Beha Erichsen/IMG.
Lighting technician: Jodokus Driessen; digital technician: Manoodh Matadin.
Photography assistants: Shoji Kuzumi, Edward Boutinard and Marc Kroop.
Fashion assistants: Kathryn Typaldos and Katie Casamassimo.

Hedi Slimane

2009-10-28T10:00:00.000+01:00

Camilla Akrans

2009-10-25T10:00:00.000+01:00

Steven Meisel's story for The September Issue of Vogue 2007

2009-10-24T10:00:00.001+02:00

Paul Graves

2009-10-23T10:00:00.000+02:00

David Bowie

Pippi Longstocking/Fifi Brin d'Acier

Andy Wahrol

Liza Minelli

Don King

Kojak

paulgravescreative.com

Tim Burton's Tricks & Treats par Tim Walker

2009-10-22T20:44:00.007+02:00

Love it !

2009-10-22T20:39:00.000+02:00

Paul Graves©

Naomi in the Jungle par Jean-Paul Goude

2009-10-09T12:10:00.002+02:00

Kate Moss par Ian McKell

2009-10-01T16:40:00.007+02:00

www.vmagazine.com

Nouvelle Rubrique

2009-10-01T16:16:00.002+02:00

Parce que ce blog ne bouge pas beaucoup, parce qu'il n'est pour l'instant qu'une extension du petitmoutonaimelamode, parce que je cherche le moyen de le faire vivre, parce que j'ai besoin de partager ce qui me fait vivre : mon amour de la photo de mode, parce la mode tend parfois à l'art; pour tout ça, je lance une nouvelle rubrique, pour vous faire partager les images qui me touchent.

Rankin à Londres

2009-08-25T11:07:00.001+02:00

Alors Rankin, je n'aimais pas, je trouvais ça vulgaire, je le trouvais vulgaire. Et je n'ai pas tellement changé d'avis... mais j'ai aimé voir son travail de jeunesse, j'ai ri devant sa mégalomanie et son ego surdimensionné (Me Me Me), j'ai été horrifiée par tant de retouche, aussi peu de peau... par son habilité à rendre horrible des gens sublime (Juliette Binoche) par sa façon de traiter du nu dans l'irrespect complet de la femme, par l'hypocrisie du discours de son travail avec Heidi Klum. En somme c'était instructif, à défaut d'être beau...

C'est où ?

Old Truman Brewery
91 Brick Lane, London E1 6Q
Liverpool Street tube station

C'est quand ?
jusqu'au 18 septembre 2009
Tous les jours sauf les lundis.

tarifs
Plein tarif : £10
Tarif réduit : £7

plus d'info sur le site : ici
www.rankinlive.com

www.rankin.co.uk

Planète Parr au jeu de Paume

2009-08-12T13:00:00.000+02:00

L'esposition Martin Parr à la galerie du Jeu de Paume est, contre toutes mes attentes, fort intéressantes. Car voyez vous, je n'aime pas le travail de Martin Parr, je le trouve criard et vulgaire. "Couleurs voyantes, motifs bizarres et narrations concises sont les caractéristiques de la photographie de Martin Parr (né à Bristol en 1952). Si plusieurs de ses images peuvent paraître excessives dans leur propos, elles sont toujours étonnamment inventives et pleines d’humour." C'est ainsi que le commissaire* de l'exposition le présente... je dois manquer d'humour alors, c'est fort possible. Ce que j'ai aimé dans cette exposition, c'est finallement qu'il y a assez peu d'images de Martin Parr, en proportion. La moitié des photos font partie de sa collection personnelle et nous montre comment la photographie documentaire/de reportage anglais puis internationale ont influencé son travail. On découvre ou redécouvre ainsi plétore de photographe dont on avait oublié le travail voire le génie : Graham Smith, Paul Seawright, Keith Arnatt, Karen Knorr, John Davies, Rinko Kawauchi, Pieter Hugo...

Graham Smith,
“I thought I saw Liz Taylor, Bob Mitchum in teh backroom of the commercial South bank”

Paul Seawright
Friday 25th May 1973, de la série Sectarian Murder

Chris Killip, Father & son, Westend of Newcastle, 1980

Karen Connor
Keith Arnatt

John Davies
Agecroft Power Station, Salford 1983

Rinko Kawauchi

Ensuite viennent les collections d'objets de Parr, et l'on découvre dans les vitrinnes l'ammoncellement de mugs à l'éeffigie de Tatcher, ou les masques à celles de Sadam Hussein ou d'Oussama Ben Laden, la série de plateaux à motifs floreaux etc...

Ce n'est qu'enfin que l'on peut voir le travail de Martin Parr, à travers 2 séries : Luxury et The Guardian Cities Project, le premier est une satire des riches de ce monde, la seconde le portrait des villes anglaises.

On sort de l'exposition en se disant qu'il est sans doute plus intéressant qu'on ne pensait... et on a finallement envie d'en savoir plus... ce qui arrive, puisque s'étalent dans le jardin des tuileries les tirages géants de Small World.

*"Pendant plus de trente années, Martin Parr a réalisé un vaste travail documentaire sur la société occidentale, principalement en Grande-Bretagne, son pays d’origine. Mais il s’est aussi intéressé aux phénomènes de la mondialisation tels que le tourisme de masse, les comportements consuméristes ou le soi-disant temps libre. Son travail est aujourd’hui considéré comme une satire de la vie contemporaine démasquant le grotesque dans le banal. Membre de la légendaire agence Magnum, Martin Parr est l’un des photographes actuels les plus actifs et dynamiques. Depuis les années 1980, il a publié plus d’une trentaine de livres et exposé dans d’innombrables expositions individuelles ou collectives. L’exposition "Planète Parr", produite en collaboration avec la Haus der Kunst de Munich, propose un dialogue entre les photographies de l’artiste (séries "Luxury", "Small World", et projet "The Guardian Cities Project") et sa vaste collection d’objets hétéroclites. Elle dévoile l’acuité du regard de Martin Parr et sa fascination pour le merveilleux du quotidien où se mêlent l’intime et le collectif, œuvres d’artistes reconnus et art populaire. Pour la première fois sont exposés non seulement son extraordinaire collection de livres de photographies et d’épreuves d’auteurs britanniques ou internationaux, mais aussi un grand nombre d’objets ou de curiosités collant au plus près de l’actualité politique ou sociale (les montres Saddam Hussein, le papier toilette Oussama Ben Laden ou les théières Margaret Thatcher…), ou reflétant l’absurdité et la vacuité de notre société de consommation (trône en tête des objets recherchés et amassés par Martin Parr le plus gros paquet de chips jamais commercialisé !)."
Commissaire de l'exposition : Thomas Weski Scénographie : jasmin Oezcebi / franck Vinsot

C'est où ?
Galerie du Jeu de Paume, site Concorde

C'est quand ?
jusqu'au 27 septembre 2009
Tous les jours sauf les lundis.

tarifs
Plein tarif : 6€
Tarif réduit : 4€

plus d'info sur le site : ici

www.martinparr.com

Erwin Olaf à l'Institut Néerlandais

2009-06-29T10:36:00.002+02:00

Cette exposition est la première grande exposition monographique consacrée à Erwin Olaf en France. Elle réunit les photographies de ses dernières séries : Rain, Hope, Grief et Fall ainsi que les films qui les accompagnent et donnent une autre perspective à la vision que l'on s'était faite de l'histoire racontée par les images.

Car les images d'Erwin Olaf racontent des histoires qui restent mystérieuses, les histoires de personnages parfaits, pour la plupart absorbés dans leurs pensées, figés dans des tenues parfaites, dans un décor parfait, attendant que quelque chose survienne, ou non. Les personnages évoluent dans des décor très stylisés de l’Amérique des années 1950-1960, empreints d’une esthétique de film noir rappelant Hitchcok ou encore Lynch...

Je connaissais déjà le travail du photographe, mais le fait de voir les images en grand (les tirages Lambda sont gigantesques), de voir leur texture, d'oberser chaque détail, donne une nouvelle persperctive çà son oeuvre, dont je reste indubitablement fan !!

C'est où ?
Institut Néerlandais
Centre culturel des Pays-Bas
121, rue de Lille, 75007 Paris
téléphone : 01 53 59 12 40
télécopie : 01 45 56 00 77
métro Assemblée Nationale
C'est quand ?
Jusqu'au 5 juillet 2009
du mardi au dimanche
de 13 h à 19 h
Fermé le lundi
Tarifs :
tarif plein : 4.00 euros
tarif réduit : 2.00 euros
Sites :
Site de l'institut Néerlandais
Dossier de Presse disponible sur le site
et site de erwinolaf.com

Controverses à la BNF

2009-05-06T10:00:00.000+02:00

La dernière exposition photo de la BNF retrace l'histoire de la photographie à travers les controverses qu'elle a essuyé depuis sa création, à commencer par le conflit technique qui opposa Daguerre et Hippolyte Bayard.

Hippolyte Bayard, Autoportrait en noyé, 1840

au dos de l'image :

« Le cadavre du Monsieur que vous voyez ci-derrière est celui de M. Bayard, inventeur du procédé dont vous venez de voir, ou dont vous allez voir les merveilleux résultats. À ma connaissance, il y a à peu près trois ans que cet ingénieux et infatigable chercheur s’occupait de perfectionner son invention.

L’Académie, le Roi et tous ceux qui ont vu ses dessins que lui trouvait imparfaits, les ont admirés comme vous les admirez en ce moment. Cela lui a fait beaucoup d’honneur et ne lui a pas valu un liard. Le gouvernement, qui avait beaucoup trop donné à M. Daguerre, a dit ne pouvoir rien faire pour M. Bayard et le malheureux s’est noyé. Oh ! Instabilité des choses humaines ! Les artistes, les savants, les journaux se sont occupés de lui pendant longtemps et aujourd’hui qu’il y a plusieurs jours qu’il est exposé à la morgue, personne ne l’a encore reconnu, ni réclamé. Messieurs et Dames, passons à d’autres, de crainte que votre odorat ne soit affecté, car la tête du Monsieur et ses mains commencent à pourrir, comme vous pouvez le remarquer. »

L'exposition suit chronologiquement ces conflits allant des droits d'auteurs aux droits à l'image, traitant de la déonthologie ou de la bienséance... Si la chronologie est intéressante pour le début du siècle et les pemière législation, elle devient vite lassante et répétitive. L'exposition est dense, trop peut-être et mal agencée. On ne cesse de se heurter à la foule, et la visite est loin d'être confortable.

Lewis Caroll, Alice Liddell as a beggar child, 1859/Garry Gross, Untitled, Brooke Shield1975/Jock Sturges, Christina, Misty and Alisa, North California, 1989

On ressort de l'exposition en se dissant qu'elle aurait mieux fait d'être thématique, même si l'aspect financier des controverses auraient été le plus représenté.
Les thèmes du plagiat, de ce qu'on peut montrer ou non, de véracité historique mais aussi les photos d'enfants que se soient dans leur rapport à la nudité et au monde des adultes ou dans les photos de reportages de guerre suscitent l'intérêt général de manière assez systèmatique semble-t-il.

Frank Fournier, Omayra Sánchez, Armero, Colombie, 1985

Ce portrait d'une petite fille coincée danslesdébris d'un ecoulement de boue suite à une éruption volcanique fait partie de ces images qui anime la polémique du photojournalisme : porter assistance ou témoigner, peut-on montrer la souffrance sans porter atteinte à la dignité ?, ou est la limite entre l'information et le voyeurisme? ...

Les questions religieuses, notament catholique, aussi semblent être sensible auprès du grand public, comme en témoignent les images de Toscani ou de Serrano.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

On sort de là sans avoir appris grand chose ou peu. Mais on a un bon résumé des problèmes soulevés en matière de photographie...

Gursky au Musée d'Art Moderne de Stockholm

2009-05-05T22:00:00.000+02:00

Dix ans de travail, 140 tirages... ça s'appelle une rétrospective. Celle de Gursky. Musée d'Art Moderne de Stockholm. 140 tirages c'est énorme. Surtout quand on connait Gursky et son amour du gigantisme. Sauf que pour faire tenir 140 tirages dans la salle d'exposition du Moderna Museet de Stockholm, la majorité d'entre eux sont en 30x40... et ça change tout.

Un bonheur tout de même...

Né en 1955 à Leipzig, Andreas Gursky a été formé successivement à la Folkswangschule d'Essen, école prestigieuse qui prône la créativité dans l'esprit du Bauhaus des années vingt, puis auprès de Bernd et Hilla Becher, les maîtres du réalisme photographique proche des théories de l'école de Düsseldorf, au sujet duquel il y avait eu une exposition au Musée d'Art Moderne de Paris.

Cette double influence se retrouve dans son approche photographique qui conjugue une réelle innovation pour chaque image à une simplicité dans les angles de vue, les plans, toujours très frontaux.

Gursky s'est d'autre part fait connaître par ses images très grands formats à l'une implacable définition. Gursky impose une sorte de dogme à ses images, les rendant impersonnelles, normalisées, et surtout désenchantées. Mais rien n'y est vraiment raconté. L'image, si elle bourdonne comme une ruche, reste cependant muette, sans émotions, comme un décor vide.

Ses photographies font partie de celles qui se vendent le plus cher : 99 Cent II Diptych (2001) a été adjugée 1 700 000 livres (3 346 456 dollars) dans une vente aux enchères en 2007.

Le site du Musée

David Lachapelle

2009-03-29T10:00:00.000+02:00

David Lachapelle, on aime ou pas. Moi pas... Son style trash et saturé, très peu pour moi. Son goût pour Dieu aussi. Mais je respecte le personnage, la cohérence et la construction de son œuvre, le gigantisme et la mégalomanie de ce qu'il accomplit. Bref ce que je ne suis pas.

Et c'est pour ça que je suis allée voire l'expo. Et c'est pour ça que j'ai été déçue. Je m'attendais à une exposition monumentale et mégalomane. Et elle n'a de cela que son prix...

Aucune oeuvre nouvelle pour moi si ce n'est la série sous l'eau... Il y a finallement plus d'images exposées sur les rails de cartes postales que sur les murs de l'Hotel de la Monnaie, et la floppée d'informations sur des images et des séries qui ne sont pas exposées nous renvoie sans cesse à la pauvreté de l'expo...

Beneath The Roses, Gregory Crewdson

2009-03-26T22:00:00.000+01:00

L'expositon de Gregory Crewdson à la galerie Daniel Templon présente la série Beneath The Roses (Sous la surface des roses) qui nous montre diverses situations familiales ou quotidiennes étranges, à la limite de la névrose et du malaise.

Untitled (the mother) 2007

Untitled (the father)

Untitled (Blind Reflection) 2007

Pour Crewdson, ces scènes insolites sont le révélateur de frustrations, de désirs inavoués ou d’angoisse : "Tout l’enjeu est de créer son propre monde. Le mien est un décor sur lequel je projette mes propres drames psychologiques. »

Untitled (Esther Terrace) 2006

Gregory Crewdson est un des maîtres de la « staged photography » dont des artistes comme Jeff Wall ou James Casebere ont été les pionniers. Son univers joue avec les codes du cinéma de Hitchcock à Lynchet n'est pas sans rappeler le travail de Hopper. Au dela du photographe, Crewdson est un véritable réalisateur avec des décors entièrement conçus sur story boards, une équipe digne d'une du cinéma et autant d'effets spéciaux qu'un film de science-fiction.

Untitled (debutante) 2007

"I work with a production crew that all come out of film. We work with cinematic lighting but we are only after creating one single perfect moment."

Untitled (the falls) 2006

A la différence d’autres formes narratives, la photographie reste toujours silencieuse. Il n’y a ni d’avant, ni d’après. Les événements qu’elle capture restent un mystère. Chaque image nous plonge dans un film dont on ne verra ni le début ni la fin.

Untitled (the Madison) 2007

Alliant une production toute hollywoodienne au désenchantement de la vie des classes moyennes américaines en banlieue, Gregory Crewdson peint l'amérique sur tirage grand format avec un soucis du détail presque inquiétant...

Untitled (Oak Street) 2006

C'est où ?
Galerie Daniel Templon
30 rue Beaubourg
75003 Paris
Métro Rambuteau

C'est quand ?
jusqu'au 25 Avril 2009
Tous les jours de 10h à 19h,

Site
www.danieltemplon.com

Gainsbourg à la Cité de la Musique

2009-03-16T10:00:00.000+01:00

J'ai le chic pour vous parler d'une expo une fois qu'elle est terminée... celle-ci était superbe.

Mettant en valeur les différents aspects de l'œuvre protéiforme de Gainsbourg en restant discret sur sa vie privée. Gainsbourg est l'un des rares chanteurs français dont on peut dire qu'il a été pendant quarante ans, à l’instar de David Bowie en Angleterre ou de Bob Dylan aux États-Unis, un catalyseur des époques. Il a toujours été en avance sur son temps : son écriture, ses compositions, et même la conduite de sa vie privée ont bien souvent précédé et influencé l’évolution des mœurs et celle des mouvements artistiques et culturels. Jouant avec les mots et les références, il empruntait aussi bien à la culture classique que populaire, mêlant humour et références intellectuelles.

L’exposition mettait en avant la modernité de son travail et le caractère indémodable de son œuvre.

Picasso et ses maitres

2009-01-04T11:00:00.001+01:00

Encore une exposition sur Picasso... oui, encore une. Une exposition qui nous rappelle encore et toujours que son œuvre est immense et qu'on est bien loin de la connaitre tout entière. Et si ce n'est pas ces plus belles toiles que l'on voit, on en découvre des passionnantes, des drôles et des touchantes.
Et quel plaisir de voir réunis dans la même pièce les plus grands nus de l'histoire de la peinture : manet, Ingres, Goya et le Titien.... il ne manque que Velasquez en somme.

Alors je ne vais pas vous d'aller voir cette expo ou pas, parce que la question est : on aime Picasso ou pas...

C'est où ?
Galeries Nationales du Grand Palais
3 avenue du Général Eisenhower
75008 Paris
Métro Champs Elysée Clémenceau

C'est quand ?
jusqu'au 2 février 2009
Tous les jours de 10h à 20h,
nocturne le mercredi jusqu'à 22h
fermé le mardi.

Tarifs
Plein tarif : 10€
Tarif réduit : 8€

Devant le succès de l'expo (plus de 450 000 visiteurs), le musée a décidé d'ouvrir 24h sur 24 pour les derniers jours (du 30 janvier 2009 à 9h00 au 2 février 2009 à 20h00)...

Lars Tunbjörk, Vinter

2008-12-08T12:40:00.008+01:00

Dans cette série, Lars Tunbjörk nous montre la Suède comme on ne l'a jamais vue. Loin des clichés qu'on lui connait, elle nous apparait plus vrai, plus triste que ce que l'on imagine à savoir un pays tout blanc de neige imaculée (mais la neige peut-elle rester imaculée ?) rempli de belles personnes grandes, minces et blondes et vivant dans des jolies maisons en bois rouge, joliement amménagée par IKEA... Mais en alternant intérieurs et extérieurs, en nous empêchant de nous rassurer par la contemplation d'une "belle" image, Lars Tunbjörk nous embarque dans une frénésie d'images qui rompent radicalement avec cet imaginaire. L'acuité et l'humour (noir) de son regard nous fait prendre conscience de ce qu'est notre monde, et peut être aurait-on préféré rester dans notre imaginaire...

C'est où ?
Galerie Vu
2 rue Jules Cousin, 4e.
Métro : Bastille
Téléphone 01 53 01 85 81
C'est quand ?
jusqu'au 25 janvier 2009
Ouvert tous les jours,
sauf les lundis, mardis et dimanches
de 14h à 19h
Entrée libre
Site

Demarchelier au Petit Palais

2008-12-08T12:35:00.000+01:00

Je savais à l'avance que cette expo ne m'emballerait pas... Pourquoi suis je allée la voir donc ? Pure conscience professionnelle, je dirais. Je n'ai rien appris, je n'ai rien découvert, je n'ai pas été impressionnée par une seule image. Je ne suis pas une fan de son travail... c'est beaucoup trop américain pour moi. Je ne vais pas dire que c'est un mauvais photographe, non, il est bon dans ce qu'il fait. Mais ce n'est pas ce que je cherche quand je vais voir une expo.

Rassurez vous, j'ai quand même aimé certaines images : Keith Richards pour le personnage, l'affiche de l'eposition pour son classicisme, le calendrier Pirelli 2008 pour l'univers...

Plus d'images sur le site de Demarchelier : ici.

C'est où ?
Petit Palais
Avenue Winston Churchill
75008 Paris
Métro : Champs Elysée Clémenceau
Tel : 01 53 43 40 00
C'est quand ?
jusqu'au 4 janvier 2009
tous les jours de 10h00 à 18h00.
sauf les lundis et jours fériés.
Gratuit
Plus d'infos :
portail de la ville de paris

70's La photographie américaine

2008-12-02T13:04:00.001+01:00

La collection de la BN comporte plus de 3000 tirages de photographes américains, l'exposition en présente 320, et présente logiquement une large partie de l'œuvre de Diane Arbus, la première acquisition de a bibliothèque; suivent Robert Franck, Walker Evans, Marie Ellen Mark, Jeffrey K. Silverthorne, Garry Winogrand, Lee Friedlander, William Klein, Larry Clark, Les Krimms, Joel Peter Witkin, Lewis Balz... pour ne citer que ceux que je connaissais déjà... L'expositon ne présente pas une histoire de la photographie américaine mais un aperçu de la collection, à travers 6 thèmes : les précurseurs, l'influence du snapshot, géométrie et espace, paysage, matière et forme, et le miroir obscur.

Une expostion agréable : la bonne taille, les bonnes oeuvres, un sentiment de connu et de découverte à la fois, pas de pression intellectualisante... une expostion à voir.

C'est où ?
BNF, Site Richelieu
8 rue Richelieu
Paris 2
Métro Bourse, Palais Royal Musée du Louvre,
ou Grands Boulevards
C'est quand ?
Jusqu'au 25 janvier 2009
du mardi au samedi
de 10 h à 19 h
et le dimanche
de 13 h à 19 h
Fermé le lundi
Tarifs :
tarif plein : 7.00 euros
tarif réduit : 5.00 euros
Site :
www.bnf.fr

Joel Peter Witkin en anglais*...

2008-12-01T10:00:00.001+01:00

*T'as quand même pas cru que j'allais te traduire mes dissert' de fac ??

Joel Peter Witkin is a photographer who can’t be dismissed or ignored. On seeing his pictures, no one can remain ambivalent. His images are undeniably powerful, frightening and fascinating, they put the observer in an uncomfortable position and repel him. Witkin has long specialised in subjects to which society tends to hyde : corpses, sex pariahs, circus freaks and so on, in order to respon to the ultimate question of life and death.

Joel-Peter Witkin was born in 1939 with a twin brother who was to become a painter and a triplet sister who didn’t survive. He is the son of an Ukrainian jew and an Italian Catholic, duality that will influence his work. At the age of six, Joel-Peter Witkin was the witness of a car accident in which a little girl was decapitated, her head rolling to stop at his feet, he recalls her eyes starring at him. He was then immersed in a Primal Therapy and as he was a teenager, he discovered sex life with an hermaphrodite. All these episodes may have had a bearing on his obsessed by death and freaks work. Lots of biographic elements can be found in his work.

One of his pictures was selected by Edward Steichen to be in the permanent collection of the MOMA of New York as he was just sixteen years old. After high school, he worked as a color printer before joining the army to document assorted military accident as a photographer. He married a tattoo artist. They live in Albuquerque with their son and Mrs Witkin’s female lover. Since the beginning of the eighties, he kept receiving grants and awards. His prints wormed their ways to the permanent collections of the foremost museum around the world, such as the MOMA of New York and San Fransisco, the Whitney Museum, the Bibliothèque Nationale de France.

Joel-Peter Witkin belongs to the postmodern, which is described in Photography, a Critical Introduction as the “emphasis on construction, the forging, the staging or fabrication of images.” That is exactly what he does. He begins by sketching[1] his ideas on paper, perfecting every single detail before arranging the scene in studio like a film or theater director, making his models pose in theatrical, baroc and symbolic gestures. In a certain way, he can be compared to Gregory Crewdson, for that sense of staging. Onced photographed, he spends hours in the darkrooms, scratching, burning, piercing his negatives, then prints them, often through tissue paper in order to fuzz the texture of the image and give a specific blurry quality to the print. He then mounts the print on aluminium and applies pigments by hand. Finally he covers it with beewax and reheats them, before cools and polishes, giving a tactile texture to the print. With this long procedure, he only produces an average of 10 prints a year.

He constantly refers to painting from art history, especially the works of Bosch, Goya, Velasquez, Miro, Picasso, and Boticelli. He produced his own version of famous masterpieces such as the Man Ray’s Kiki Ingres’ Violin[2], Goya’s Don Manuel Osorio De Zuniga, Canova’s Paolina Borghese as Venus Victorious, Rubens’ Little Fur, Wood’s Portrait of Nan, Rembrandt’s Saskia as Flora… in order to create his own history by using symbols from the past, creating his own artistic family. The resulting photographs are haunting and have a hideous beauty that is as compelling as it is taboo.

He is also influenced by Weegee’s and Diane Arbus’ works. But whereas they document about people, he invites them to the studio, a different way to put them in the light. God is one of the main theme of Witkin. Practising Roman Catholic himself, he seems to be obsessed with the fetishizing of all the ordinarily repressed or shunned by the church. He very often reffers to the Bible main episodes or characters such as the Expulsion from paradise of Adam and Eve, Mother and Child, The Wife of Cain or to the Antiquity myths such as Leda, Le Jugement de Paris, Amour. Witkin reuse these myths not to celebrate them but to describe the soul distorsion they’re actually rebealing in his opinion. In Leda for instance, Leda is a rickety drag queen, Zeus disguised as a swan is actually a product of taxidermy, and the windged babies, issues from the giant egg of that union in the background, are crawling at their parents’feet. In Amour, Venus is reduced to a lethargic beast, Cupid to a dead monkey and a man masturbates above her. At the very beginning, these myths were celebrating love and desire. In Witkin’s imagery transforms them in the expression of modern passionless self-pleasuring or physical desire reduced to amnesia.

On a portrait taken by his wife, he is represented wearing a mask with the crusified Christ on it. The Cruxified Christ is a recurrent “character” in Witkin’s tableaus, either it is disguised in a Cruxified Horse[3] or a Masochist’s ritual. Marthyrs are also represented in Witkin’s imagery. Armless, legless, eyelidsless, a thalidomide victim poses as Un Santo Obscuro with a cleaver through his head, a knife in his shoulder, a mail collar and a prothesis. Saint Sebastian appears very often in homosexual iconography : killed in his beautiful youth, he represents erotism. In Witkin’s Queer Saint is actually a skeleton pierced by arrows, joined to a dead head and a severed penis. In that tableau, Witkin reduces Saint Sebastian’s saintly to nothing.

Masks and eyes-covering are recurring in Witkin’s work. They are as much symbols of fetishism as a way to let his models stay anonymous and give to his tableaus and allegories a universal message. The mask allows him to replace the model’s actual mask (his own personnality or how he acts to present himself) and to creates another one for him; Witkin replaces the metaphorical mask by a reel one[4]. Very often that new pesonnality is the photographer’s own soul. In the preparatory drawing for Las Meninas, he labelled the legless Infanta supported by a farthingale on wheels as “Me Crippled”. But Las Meninas is also the only picture in which Witkin poses[5] with his models. All his work implicate him as the main freak. In that way we can say that Witkin’s pictures are really self-conscious, but they all have paradoxally a universal message.

Some pictures he made are wirdly sexually attractive. A somptuous blond legless woman poses nude on a three-feeted table[6], carressing her shoulders in a narcissism and sensual gesture. The Kiss is actually the image of a single dead man’s head that has been cut in half down to the middle, posing as two separate heads kissing. As strange as it is, that kiss is pleasant to look at even if our intellect denies it and that, in the face of reason, it cannot be pleasant to a dead head. This image has a lot of potential meanings : the dead is able to communicate, or can be another allegory of self-pleasuring. Three Graces after Rubens shows three pre-op transexuels, very feminine and sensual, we almost don’t see their penises or the dead monkey heads they are holding. They are just three beautiful creatures we almost feel guilty to be attracted to. The same thing happens when we look at Witkin’s version of Boticelli’s Venus’ Birth : Gods of Earth and Heaven. A child[7] is innocently leaning naked on an antique armchair. His tranquility put us in a ambiguous discomfort and remind us of Lewis Caroll’s pictures of little girls or of Sally Mann’s controversial pictures[8] of naked children. In Humor and Fear, despite of the humoristic approach through the Mickey Mouse ears, he makes that woman look sexy, while suffering of toxic shock after having a breast enlargment, her legs, fingers and breasts had to be removed. The pose[9] and the plastic cones brassiere make us focus on her beauty before we can find out what happened to her and start feeling uncomfortable about what we were thinking just a moment before. But Witkin once again gives to the usually ostracized and considered as undesirable a human appearence.

Titles are really important in Witkin creation process. They transcends mere labelling, add dimensions to images that already bear multiple shades of meaning and set a tone in which each picture might be seen. For instance, Testicle Stretch with the Possibility of a Crushed Face, Angel of the Carrots, Woman Breastfeeding an Eel etc. Most of his pictures are baroc, sometimes rococco, they have become decorative arts, even if I personally wouldn’t put one of his piece on my wall, the richness and the macabre beauty of his work make him one of the most popular photographer among collectors.

His portraits of dead are quite different from the rest. They possess a more quiet sense of dignity, composition is plainer, sets are smaller. For instance, The cornucopian dog, Mask and Severed Genitalia as Netsuke, or Theatro di Morte are composed with less elements in the frame, the observer can focus on the severed penis reposant on two skulls like a huge snail or on the dead foetus resting between an old dead woman’s head and a skull, all morbidity’s elements which paradoxicaly represent the Trinity[10].

Witkin’s subject matter is atrocity personified : anyone who is victim of it by accident, sickness or unfortunate birth. He make the ugly beautiful[11] by showing an unconditionnal acceptance of the difference, or in order to overcome his own repulsion of them. He“casts” his models, people most often cast aside by society, through adverts and visits to medical schools, hospitals and insane asylums. He looks for hermaphrodites, dwarfs, corpses, sex pariahs, circus freaks, amputees, carcases, people with odd physical capabilities, fetichists, pre-op transsexuals, bearded women, hunchback... He runs adverts seeking for “physical prodigies of all kind” , “any living myth (...) anyone bearing the wounds of Christ”. He succeeded in reaching so much freaks and other pinnacles of unseen society that he added to his first request “ women whose faces are covered with hair or large skin lesions willing to pose in evening owns. People who lives as comic-book heroes, boot corset and bondage fetichists; Anyone claiming to be God. God”. Witkin also visits morgues in order to find dead body, or severed members, heads or penises, that he chooses very meticoulously.

Most people are shocked by Witkin’s photographs. We often look away when confronted to the imagery of death, dying, deformed or anything that does not conform to the norm. It has not always been like that. For instance, in Antiquity, monstrosity was cultivated as wonder and omen. In the nineteenth century, pictures of “the other” were quite popular. Indeed pictures of all kind of freaks was taken in aim to record all human beeing “type”, i.e August Sander’s work.

Witkin’s work leads him to his spiritual goal of divine and truth as he said himself. He thinks that each totally sastifying picture he achieves makes a part of him die and that his quest will end when he will be emptied by his work.
Because of the extreme nature of his vision and subject matter, his work is sometimes labelled exploitive. In fact he leads us to wonder about our references, about right and wrong, sexuality and among other about tolerance and our ability to understand.

[1] In an interview by Chris Buck and Christine Alevizakis, Witkin said “I have a sketchbook that’s about four inches thick with things I have written down, dawn and collect from various sources that interest me. What I do every month or two is sit down and go through that book and think in terms of where I want to direct my energies.”
[2] Letters refer to images at the end of the essay.
[3] When he chose to use a horse in reference to Dante’s theory that animals and plants possess primitive souls and are surrogates of God.
[4] That real mask in not always an actual object. In The cornucopian dog he gave to that dead animal the look of an alive one, its expression is actually just a mask.
[5] He plays Velasquez in the corner.
[6] Woman on a table, Albuquerque
[7] Nude with mask, Los Angeles 1988
[8] Sally Mann took pictures of her own children, often naked and in some sensual poses. She has been accused of incest for that.
[9] The picture and consequently the pose have been inspired by Titian’s Sacred and Profane Love.
[10] Three stages of life : Youth, Maturity and Old age.
[11] « Those who understand what I do appreciate the determination, love, and courage it takes to find wonder and beauty in people who are considered by society to be dammged, unclean, dysfonctionnal or wretched. My art is the way I perceive and define life. It is sacre work, since what I make are my prayers.” said Witkin once he was invited to the Saturday Night Live.

Bibliography/Webography

Bibliography :

Joel Peter Witkin, Forty Photographs, San Fransisco Museum of Modern Art, 1986

Joel-Peter Witkin, 55, Phaidon 2001

Joel-Peter Witkin, The Bone House, Twin Palm Publishers, 1998

Germano Celant, Witkin, Scalo 1995

Joel-Peter Witkin, Gods of Earth and Heaven, Twelvetrees Press 1991

Joel-Peter Witkin and Pierre Borhan, Disciple & Master

Liz Well, Photography : A Critical Introduction, Routledge 2000

Museum Ludwig Cologne, 20th Century Photography, Taschen 1996

Webography :

www.zone-zero.com

www.artforum.org/z_witkin/gallery.htm

www.edelmangallery.com/witkin.htm

www.exporevue.com/magazine/fr/witkin

http://photographerinterviews.ifihadaifi.com/2001/witkin/ (interview by Chris Buck & Christine Alevizakis)http://www.museumofnewmexico.org/mfa/ideaphotographic/artists_witkin.html

Ryan McGinley

2008-11-30T10:00:00.001+01:00

Ryan McGinley est un des nouveaux artistes-photographes à la mode... pour preuve Kate Moss s'est interessée à lui, et ils ont collaboré pour un projet nommé, c'est original, Kate.

Mais McGinley est surtout connu pour son travail sur sa vie privée et son entourage. Il a photographié ses amis faisant du skateboard, ou du vélo, mais aussi faisant la fête, prenant de la drogue et s'envoyant en l'air... Depuis, son travail a évolué, dans le sens où il a quitté le "reportage" pour la mise en scène. Il ne photographie plus ce qui se passe, mais crée ce qui se passe, en emmenant ses amis proches ou de passage en voyage de trois mois, sur les routes, dans les champs, dans les arbres... et les photographies, en tant que modèles, cette fois (rémunérés et défrayés : un voyage peut lui coûté 100 000$). Il ne photographie plus la spontanéïté du moment mais de ce qu'il a créé. Et, en dehors de l'usage de la couleur, c'est ce qui le différencie de Larry Clark, à qui il est souvent comparé.

Je ne sais pas si c'est mon métier, mes études ou tout simplement mon esprit, mais j'ai du mal à le considérer comme un photographe. C'est un artiste si vous voulez, qui utilise la photographie certes, mais c'est l'absence de maîtrise technique qui fait la force de ses images. Et un photographe n'est il pas quelqu'un qui "écrit avec la lumière", donc qui la maîtrise... ? Ou suis je juste psychorigide sur la question ?

Site

Edith Maybin

2008-11-29T10:00:00.008+01:00

C'est cette image qui m'a le plus touché à Paris Photo, et qui m'a poussé à m'intéresser au travail de son auteur : Edith Maybin, jeune photographe canadienne d'à peine 40 ans.
Toute en finesse, cette image sur la jeune fille qui se cherche femme, qui se mime enceinte, est pleine de poésie : la lumière, la transparence du collant et des mains, le regard. Mais est ce une jeune fille : elle a le visage si pure d'une enfant et le corps déjà affirmé d'une femme...

Edith Maybin est une photographe qui travaille dans sa porpre intimité. Sa fille est son modèle. Cette image est extraite de The Tenby Document, une série dans laquelle elle s'interroge sur la conscience de la sexualité chez l'enfant mais surtout sur les rapports mère-fille. Elle se photographie avec sa fille, reproduisant les gestes qu'elle a apprit de sa propre mère et faisant part de l'apprentissage de la féminité : les changements de son corps, apprivoiser ses seins, mettre des bas... Travaillant en numérique, Edith Maybin a le plus souvent photographié sa fille et elle-même séparemment, puis travaillant au montage et en retouche, elle a été jusqu'à placer la tête de sa fille sur son propre corps, afin d'abollir le fossé entre mère et fille.

images de www.edithmaybin.com

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Paris Photo

2008-11-28T11:00:00.000+01:00

Paris Photo, c'était du 13 au 16 novembre. Je ne vais pas vous dire qu'il fallait y aller, non... Paris Photo est tout sauf obligatoire. C'est gigantesque, c'est bondé, c'est plein de gens qui n'ont rien à faire là, c'est plein de gens qui se trouvent important, mais surtout c'est plein d'images... tellement plein que ce serait une folie de tout voir. Moi par exemple, je n'en ai pas fait la moitié... C'est plein d'images que l'on a déjà vu, c'est plein d'images qu'on aurait aimé ne pas voir, c'est plein d'images qui ne nous intéressent tellement pas qu'on se dit que nous aussi peut être on a notre place dans la photographie. Mais c'est aussi plein d'images qui l'espace d'une seconde vous font oublier où vous êtes, car vous n'êtes qu'avec elle. (Je vais peut être arrêter le lyrisme, suis pas sûre que ça m'aille au teint !!).

Cette année, le Japon est à l'honneur. Alors oui, on bouffe du Araki, mais on en (re)découvre plein d'autres : Shoji Ueda et sa poésie en tête.

On voit aussi beaucoup de photographie contemporaine, tellement d'ailleurs qu'on ne sait plus quoi faire de ses yeux voici ce que j'ai retenu :

Et j'en oublie... Mais comptez sur moi pour approfondir mes recherches sur ceux qui m'ont marqué.

www.parisphoto.fr
dossier de presse

Dennis Hopper et le Nouvel Hollywood

2008-11-21T11:00:00.000+01:00

Dennis Hopper est un artiste multicarte : acteur, réalisateur, mais aussi peintre et photographe... et muse. C'est ce que cette exposition nous montre. A travers les oeuvres qu'il a produite dans tous les domaines, celles qu'il a inspirées et celles qu'ils collectionnent. Un panoramma qui donne envie d'aller au cinéma...

Dennis Hopper, photographe

On aime pour la forme : dans le style américain de l'époque, frontal, neutre avec parfois une pointe d'humour, mais surtout pour le fond : un témoignage de la vie culturelle américaine des 60s.

Dennis Hopper, peintre

On n'aime pas la peinture d'après photo, version plus grand que nature, c'est laid et mégalo.

Dennis Hopper par Andy Wharol

On aime la majorité des portraits fait de lui, en photo, en peinture. Mais pas tous :

Dennis Hopper devant son portrait par Julian Schnaebel

là, faut pas éxagérer ! On aime aussi une partie de sa collection d'art moderne... Mais surtout on aime tout ce qui donne envie de voir ou revoir ses films :

Easy Rider

Blue Velvet

Appocalypse Now

MAMVP

2008-11-10T11:27:00.003+01:00

ou Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris pour ceux qui n'aiment pas les sigles.

11 avenue du Président Wilson
Paris 16
Métro Alma Marceau

Horaires
Tous les jours de 11 heures à 18 heures,
sauf les lundis et jours fériés.
Nocturne le jeudi jusqu'à 22h00.

Site

Galerie CAMERA OBSCURA

2008-11-10T11:21:00.003+01:00

Galerie Camera Obscura
268, boulevard Raspail
75014 Paris

Horaires
du mardi au samedi
de 13h à 19h

Tarifs :
GRATUIT

Site :
www.galeriecameraobscura.fr

Objectivités - La Photographie à Dusseldorf

2008-11-09T01:53:00.002+01:00

L'exposition du Musée d'Art Moderne sur l'école de Dusseldorf réunis pour la première fois (en France) le travail des professeurs et celui des élèves de la célèbre Académie des Beaux-Arts. L'affiche est donc alléchante : Bernd et Hilla Becher, Hans-Peter Feldmann, Andreas Gurski, Sigmar Polke, Candida Höfer, Axel Hütte, Beat Streuli ou encore Thomas Struth, toute une génération d'artistes qui joueront un rôle essentiel dans l'affirmation de la photographie platicienne.

Bernd et Hilla Becher

Bernd et Hilla Becher photographient le paysage industriel allemand voué à disparaitre dans un soucis d'inventaire. Le protocole est minutieux : lumière neutre, cadrage frontal et serré, absence de personnages... On pense à l'objectivité de Walker Evans. Les tirages sont regroupés par série de 6 ou 9, constituant ainsi des typologies de lieux, ou des catalogues de bâtiments (moulin, châteaux d'eau, tuyaux, cheminées...).

A la suite de Hilla et Bernd Becher, leurs élèves se sont essayés à toutes les déclinaisons du document et sont passés progressivement du noir et blanc à la couleur dans des formats de plus en plus grands.

Tous n'est pas intéressant : je n'accroche décidément pas sur le travail de Thomas Ruff (certes ces portraits sont historiquement important pour la photographie, mais qu'est ce que c'est que ces horreurs sur le pixel ?), je ne comprend pas Gerhard Richter et ses planches de photos de famille ou de paysages, qui ne sont d'ailleurs pas forcément les siennes mais qu'il s'approprie. J'aime l'idée de Hans-peter Feldmann sur les vues de chambres d'hôtel.. car ça aurait pu être la mienne... (cela ne voulant pas dire que c'est une bonne idée, mais cela à quelque chose de rassurant pour une photographe en gestation). Mais il semblerait que mon œil soit encore et toujours attiré par le vide, l'absence d'humain et les points de vue frontaux, car je retiens :

Andreas Gursky
Candida Höfer
Axel Hütte
Thomas Struth

Andreas Gurski
Kamiokande

Candida Höfer

Thomas Struth
Water Street, New York/Wall Street, 1978

Malgré une approche commune de la série, tous ces photographes ne semblent pas partager beaucoup de choses. Et ce n'est pas la maigreur des explications données par le musée, masqué espar un charabia de critique d'art, qui nous éclaire... Il me faudra beaucoup de lectures et de recherches pour répondre aux interrogations que soulève cette exposition dans ma tête ou même pour en formuler certaines. Vous verrez peut-être un jour ici même le résultat de ces recherches (si ce n'est de ma réflexion, en attendant vous pouvez lire le très bon article du blog du monde : ici.

C'est où ?

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris 5-7 av du Président Wilson
Paris 16
Métro Alma Marceau
C'est quand ?
jusqu'au 4 janvier 2009 Tous les jours de 11 heures à 18 heures, sauf les lundis et jours fériés.
Nocturne le jeudi jusqu'à 22h00.
Plus d'info sur le Site du Musée

Annie Leibovitz à la Mep

2008-08-08T12:35:00.004+02:00

Annie Leibovitz est reconnue par l'ensemble du monde comme une grande photographe et une grande portraitiste... Pourtant son regard me dérange.
Le concept de l'exposition reprend celui du livre (A photographer's life), et consite à mêler des images de sa vie et de son travail. Ce qui semblait cohérent et intimiste dans le livre devient fouilli et presque malsain sous forme d'exposition, malgré le choix de grand tirages pour son travail et de petit pour sa vie. On est mal à l'aise devant sa vie privée, on n'a pas envie de la regarder.

Pour son travail, le choix des images est étrange... il n'y a aucun de ses portraits de groupe pour Vanity Fair qui sont pourtant une part majeur de son travail. Le choix des images montrées n'est pas forcément ce que j'aurai retenu. Quelques belles images néanmoins perdues dans le flots des autres...

Manque dans ma sélection un très beau portrait de Richard Avedon,
que je n'ai pas trouvé.

Le flot des autres, vulgaires, commerciales ou kitsch... des images qui représentent tout ce que je n'aime pas en photographie.

Une déception donc, j'avais aimé le livre...

C'est où ?
Maison Européenne de la Photographie
5-7 rue de Fourcy, Paris 4
C'est quand ?
jusqu'au 14 septembre 2008
Tous les jours de 11 heures à 20 heures,
sauf les lundis, mardis et jours fériés.
Tarifs :
Plein tarif : 6€
Tarif réduit : 3€
plus d'info sur le site : ici

Förster

2008-08-05T22:42:00.006+02:00

Cette semaine j'ai fait une découverte, miraculeux, non ? Dans les inrocks, surprenant non ? Dans le spécial sexe, étonnant non ?
Il s'appelle Gerald Förster et il a un portfolio de 3 images dans le dernier numéro des inrocks... Ces images sont tirées du projet Nocturnal et sont tout bonnement Halucinantes.
Förster photographie des paysages urbains d'apparence vides, mais dans lequel il met en scène des couples. On pense à Lynch, à Gregory Crewdson, on pense à Hockney. On se dit que peut être c'est ça qu'ils auraient filmé, photographié ou peint si ils avaient voulu faire du porno... ou du moins de la photographie de sexe.

Car si les images de Förster répondent à la définition « représentation complaisante de sujets, ou de détails obscènes dans une œuvre artistique, littéraire ou cinématographique », elles n'appartiennent pas à ce que l'on caractérise de pornographique au quotidien, au même titre que Playboy, le film du samedi soir sur Canal + ou le X en général. Gerald Förster n'est donc pas un pornographe mais un artiste. Un artiste voyeur peut être ou qui du moins incite au voyeurisme, nous fait entrer dans un monde de trangression et nous confronte à nos taboos.

Förster est aussi un portraitiste et vidéaste. Son travail est à découvrir sur son site.

Avedon

2008-07-23T22:25:00.007+02:00

Il y a des photographes qui sont tellement connus, qu'on croit les connaitre... et pourtant il n'en est rien, car à chaque fois que l'on revoit leurs images, c'est comme si on les voyait pour la première fois. Richard Avedon est de ceux là.

Première grande exposition en France du photographe, cette rétrospective présente près de 270 tirages et révèle à ceux qui l'ignorerait le génie de Richard Avedon. L'exposition se compose de quatre parties : la mode, le portrait, son projet "In the American West" et son travail récent.

Avedon a révolutionné la photographie de mode. Il a libéré les modèles de leur rôle de cintres, de leur décor Art Déco et de leur lumière hollywoodienne pour mettre la mode au cœur de la vie, dans la rue d'abord, mais aussi en studio avec le mouvement, la mise en tension, l'humour mais surtout l'utilisation de la lumière du jour. Aujourd'hui un peu "démodée", ces images resteront dans l'histoire de la photographie pour leur innovation : l'image de Suzy Parker faisant du patin à roulettes Place de la Concorde, et qui nous parait désuète aujourd'hui a pourtant fait scandale à l'époque.

C'est avec le portrait qu'Avedon surprend vraiment. En voulant éviter les genres, Avedon a créer le sien : le noir&blanc, un fond blanc, un modèle face caméra. Cette apparente simplicité isole le modèle et le laisse seul face au photographe et permet au spectateur de se concentrer sur le sujet de l'image : la personne photographiée, sans être distrait par un arrière plan. Parmi ces portraits, combien sont extraordinaire !! La fragilité de Marilyn, l'émotion du Duc et de la Duchesse de Windsor, la perplexité de Carson McCullers, la folie de Robert Franck, ou l'attendrissement mêlé de fierté de Alexey Brodovich dont il était l'élève...

In the American West est peut être le plus important de sa carrière. Il dépeint l'Amérique profonde comme cela n'avait jamais été fait auparavant.

La dernière partie regroupe son travail récent, les dix dernières années. Période où ces portraits ne me parle pas : Bjork, Galliano... trop commercial sans doute.

C'est une exposition comme il n'y en a pas eu à Paris depuis longtemps. Une vrai leçon de photographie !

C'est où ?
Galerie du Jeu de Paume, site Concorde

C'est quand ?
jusqu'au 27 septembre 2008
Tous les jours sauf les lundis.

tarifs
Plein tarif : 6€
Tarif réduit : 3€

plus d'info sur le site : ici

Tim Walker à Londres !!

2008-07-03T21:21:00.003+02:00

Tim Walker est de loin l'un de mes photographes préférés. Alors une expo de lui à Londres ça ne se rate pas. Compte rendu en images :

Au Design Museum, à Londres jusqu'au 28 septembre 2008

Pour en savoir plus :
Design Museum
le site de son agent

Ce que vous avez vu... ou ce que vous avez manqué :

2008-06-26T09:59:00.005+02:00

Si il n'y en avait qu'un à regretter de ne pas avoir vu, ça serait lui : Georges Rousse

J'espère que vous avez vu Georges Rousse à la Mep ! Son travail est tout simplement hallucinant !! La Mep le décrit comme « Architecte d’un espace intérieur, cet archéologue de l’invisible glisse des mots dans l’espace, élabore des figures monochromes, utilise l’architecture du site comme support d’un tableau […] A travers l’objectif, il s’attache non pas à figer le réel, mais à créer un mirage, une illusion, perceptible d’un seul endroit. »
Répartie sur quatre étages l'exposition, complète et organisée nous fait découvrir ou redécouvrir le travail de George Rousse et nous rend toute son ampleur.

Pour en savoir plus : www.georgesrousse.com
www.rousseprojectdurham.com
www.photographie.com
ou encore dans les archives de la Mep.

Alec Soth travaille la photographie dans la tradition de Walker Evans ou de Robert Frank. Il décrit la complexité de la société américaine en en décrivant le quotidien. L'exposition regroupe ses deux séries les plus connues, Sleeping by the Mississippi (2004) et Niagara (2006 ), ainsi que des photographies extraites de son travail pour Fashion Magazine, de son travail en cours de réalisation, Portraits et de la série Dog Days, Bogotá, une série réalisée pour sa fille adoptive sur la ville dont elle est originaire.

Le titre de l'exposition : l'espace entre nous vient de son impression qu'un portrait n'est pas une image de la personne mais de l'espace qui la sépare de l'appareil. A méditer...

Pour en savoir plus : www.alecsoth.com
alecsoth.com/blog
ou les archives du Jeu de Paume

Pour la culutre aussi, il fallait voir la rétrospective de Valérie Mrejen, vidéaste caustique...

Et enfin

Peut être parce qu'elle était là quand je suis venue, peut être parce qu'elle jouait de la guitare pour des enfants, peut être parce que je ne résiste pas aux charmes du Polaroïd, peut être parce que cela rappelait Mapplethorpe....

Peut être pas la peinture, peut être pas les installations sonores qui se mélangent...

Plus d'information dans les archives de la Fondation Cartier

vous ne l'attendiez plus...

2008-06-25T21:11:00.003+02:00

Plus vraiment in compte rendu... plus un mémo...

Bibliothèque Nationale de France

2008-03-03T16:54:00.003+01:00

Site François Miterrand
Quai François Mauriac
Paris 13
Métro Quai de la Gare ou Bibliothèque

Horaires
du mardi au samedi
de 10h00 à 19h00
et le dimanche
de 13h00 à 19h00
Fermé le lundi

Tarifs :
tarif plein : 7.00 euros
tarif réduit : 5.00 euros

Site :
www.bnf.fr

Site Richelieu
58 rue Richelieu
Paris 2
Métro Bourse, Palais Royal Musée du Louvre, ou Grands Boulevards

Horaires
du mardi au samedi
de 10h00 à 19h00
et le dimanche
de 12h00 à 19h00
Fermé le lundi

Tarifs :
tarif plein : 7.00 euros
tarif réduit : 5.00 euros

Site :
www.bnf.fr

Palais de Tokyo

2008-03-03T14:53:00.000+01:00

Palais de Tokyo
13 avenue du Président Wilson
Paris 16
Métro Alma Marceau

Horaires
du mardi au dimanche
de midi à minuit

Tarifs :
tarif plein : 6.00 euros
tarif réduit : 4.50 euros/3.00 euros

Site :
www.palaisdetokyo.com/

Musée du Louvre

2008-03-01T16:57:00.003+01:00

Métro
Palais Royal Musée du Louvre

Horaires
Tous les jours de 9h à 18h
Nocturnes jusqu'à 22h les mercredi et vendredi
Fermé le mardi

Tarifs
billet pour le musée : 9€/6€ pour les nocturnes
billet pour l'exposition : 9€50
billet jumelé musée + exposition : 13€/11€ pour les nocturnes
tarif réduit :
Gratuit pour tous le premier dimanche du mois et le 14 juillet.
Gratuit en nocturne le vendredi pour les jeunes de moins de 26 ans.
Gratuit sur présentation d'un justificatif en cours de validité pour :
- les moins de 18 ans
- les demandeurs d'emploi et les bénéficiaires des minima sociaux (justificatif daté de moins de 6 mois)
- les visiteurs handicapés et leur accompagnateur
- les enseignants en histoire des arts, histoire de l'art, arts plastiques, arts appliqués, en activité, sur présentation d'un justificatif mentionnant la matière enseignée
- les artistes plasticiens affiliés à la Maison des Artistes et à l'AIAP (Association internationale des arts plastiques).

Site
www.louvre.fr

Musée d'Orsay

2008-03-01T16:57:00.000+01:00

1, rue de la Légion d'Honneur
75007 Paris
Métro Solférino, Assemblée Nationale, Concorde ou Tuileries
RER C Musée D'Orsay

Horaires
ouverts du mardi au dimanche
de 9h30 à 18h00
nocturne le jeudi jusqu'à 21h45
fermé le lundi

Tarifs
Plein tarif : 8€
Tarif réduit : 5,50€
Le tarif réduit s'apllique aux moins de 30 ans,
et pour tous à partir de 16h30 tous les jours
sauf le jeudi, à partir de 18h00.
Passeport pour visiter également le Musée Rodin : 12€

Site :
www.musee-orsay.fr

Petit et Grand Palais

2008-03-01T16:56:00.000+01:00

Les Galeries Nationales du Grand Palais

3 avenue du Général Eisenhower
75008 Paris
Entrée: Clemenceau ou square Jean-Perrin
Métro Champs Elysée Clémenceau
Tél. : +33 (0)1 44 13 17 17

Horaires
Tous les jours de 10h à 20h,
nocturne le mercredi jusqu'à 22h
fermé le mardi.

Tarifs
Plein tarif : 10€
Tarif réduit : 8€

Site
www.grandpalais.fr

La Nef du Grand Palais dont l'entrée se situe avenue Winston Churchill, accueille divers événements, expositions ou salons.

Le Petit Palais : Musée des Beaux Arts de la Ville de Paris

Avenue Winston Churchill
75008 Paris
Métro : Champs Elysée Clémenceau
Tel : 01 53 43 40 00

Horaires
Ouvert tous les jours de 10h00 à 18h00.
Fermé les lundis et jours fériés.

Tarifs
Accès gratuit aux collections permanentes
Entrée payante pour les expositions temporaires

Site
www.paris.fr

Palais de la découverte

Avenue Franklin D. Roosevelt
75008 Paris
Métro : Champs Elysées-Clemenceau ou Franklin-D.-Roosevelt.

Horaires
du mardi au samedi de 9h30 à 18h00
le dimanche et les jours fériés de 10h00 à 19h00
fermé le lundi.

Tarifs
tarif plein : 7€
tarif réduit : 4,50€
supplément Planétarium : 3,50€
La réduction s'applique sur présentation au -18 ans, +60 ans, étudiants, chômeurs, familles nombreuses, enseignants et groupes d'adultes (à compter de 10).

Site
www.palais-decouverte.fr

De l'art moderne ou va falloir qu'on m'explique...

2008-02-28T16:11:00.002+01:00

Que je mette les choses à plat tout de suite : j'aime l'art moderne. Je ne suis pas de celles qui vont voir des expos conceptuelles pour s'empresser de cracher dessus ensuite. Non, non, j'ai un vrai intérêt pour la chose, de la curiosité si ce n'est pas de la sensibilité. Seulement voilà, il y a moderne et trop moderne, conceptuel et perplextuel (c'est de l'art moderne, moi j'invente des mots si je veux !!).

La nouvelle exposition qui fait fureur au Palais de Tokyo est du deuxième genre, trop moderne et perplextuelle. Je ne peux pas dire que je n'ai pas aimé parce que je n'ai pas compris et qu'il est finalement assez difficile de se faire une opinion sur ce qui nous échappe.

Il s'agit de l'exposition Cellar Door de Loris Greaud, jeune prodige de l'art contemporain français, prodige double donc : il a moins de 30 ans et il permet de hurler des Cocorico fracassants dans un domaine où cela n'était jusqu'alors pas de mise.

On nous annonce Cellar Door comme "une proposition artistique inédite": un "gigantesque organisme généré par une partition distendue dans l’ espace et le temps". Rien que ça !! Cellar Door est donc l'oeuvre d'un artiste polyvalent, que dis-je, transdisciplinaire : vidéo, peinture, son... tout est présent dans ce studio où chaque œuvre est une bulle, dont la légende est présentée par un pupitre, une partition et un dialogue entre une cantatrice, l'entracte et un spectateur... un dialogue où l'on peut lire "Once upon a door the future came before" qui est supposé nous plonger dans l'univers du conte, et plus précisément celui de Lewis Caroll, dont on est pourtant loin tant le monde de Gréaud est plus sombre.

"L’ exposition est une forme mutante, pilotée en temps réel par un studio et un ingénieur placé au coeur du dispositif, activant les oeuvres, produisant l’ habillage sonore, les accélérations et les retraits". On est donc plutôt dans une ambiance futuriste que dans la fantaisie des contes.

Seule l'œuvre de la forêt rappelle cette fantaisie, mais on pense plus à Tim Burton ou à Allan Edgar Poe qu'à Alice aux Pays des Merveilles.

Enfin, l'exposition du Plateau de 2005, Silence Goes Quickly When Played Backwards, est reconstituée :

Mais Cellar Door, c’est aussi un opéra, la bande-son de l’exposition est signée par Thomas Roussel et a été enregistrée par le Philharmonique de Radio France. C'est ce que l'on appelle une partition tonale, en cherchant bien, on retrouve l'influence de Fauré, Ravel, Bernard Herrmann, John Williams, ou encore Stravinski. Et quand je dis "on", je ne parle pas de moi, car là encore il faut être connaisseurs...

N'appelles-t-on pas cela simplement de la masturbation intellectuelle ?
Mais encore une fois, je ne juge pas ce que je ne comprend pas.

Plus d'infos ici ou là
Quelques critiques : Libération Télérama
C'est où ?
Palais de Tokyo
13 avenue du Président Wilson
Paris 16
Métro Alma Marceau
C'est quand ?
jusqu'au 27 avril 2008
du mardi au dimanche
de midi à minuit
Tarifs :
tarif plein : 6.00 euros
tarif réduit : 4.50 euros/3.00 euros
Site :
www.palaisdetokyo.com/

L'Enfer de la BNF

2008-02-11T21:09:00.000+01:00

Aller voir cette exposition c'est un peu comme lire du Calaferte dans le métro... Sauf qu'il y a en moyenne plus de 800 visiteurs par jour, soit 800 personnes dans la même situation, on est pas seule dans la foule. Non on se presse, presque en troupeau, devant les livres rares du rayon Curiosa, les estampes japonaises, les films érotiques muets ou les photographies pornographiques qui composent la cote enfer de la BNF.

Inventé au début du XIXe siècle, l'Enfer de la Bibliothèque "rassemble seulement les ouvrages que la morale réprouve, ceux que l’on dit contraires aux bonnes moeurs. Pas de livres politiquement ou religieusement dangereux. Rien que des livres qui peuvent mettre le feu aux joues. Rien que des images lascives et déshonnêtes. Prendre comme fil conducteur l’histoire et même la préhistoire de l’Enfer est le moyen le plus sûr d’entrer dans la littérature telle qu’on ne l’a pas apprise, de se perdre dans un monde imaginaire où les personnages obéissent à toutes les fantaisies du désir, d’accéder à l’excessif de la parole pamphlétaire, de s’engager dans le monde des éditeurs clandestins, de faire la part belle aux premières manifestations de la photographie, où l’obscénité n’est pas absente de présenter un ensemble d’estampes et de livres japonais entré à la Bibliothèque grâce à la générosité des premiers collectionneurs occidentaux (...). L’Enfer, c’est aussi l’occasion de se pencher sur quelques grandes figures qui marquent la littérature: Sade, Apollinaire, Louÿs, Bataille, Genet, Guyotat "* "qui en sont les acteurs à jamais anonymes de la célébration de l'érotisme et du sexe entre le XVIe et le XXe siècle"* et dont les textes "moralement répréhensibles"* sont peu connus.

Attention, l'exposition est interdite aux moins de 16 ans.

La scénographie de l'exposition est remarquable. Elle propose un double parcours.

L'un concerne l'histoire et serpente au centre de la salle : comment l'Enfer s'est-il constitué au département des Imprimés et au département des Estampes ? Quelle est son évolution ? Qu'y-a-t-il eu avant ? Qu'y a-t-il depuis ?
L'autre propose un aperçu, à travers les époques, du le contenu de l'Enfer : quels sont les livres, les documents, les images qui y ont été relégués ? Au delà des textes et des gravures libertines, une large place est offerte aux premières photographies pornographiques et aux estampes japonaises.

Ce parcours nous emmène dans un monde secret, un monde imaginaire où les personnages obéissent à leurs désirs. C'est le monde "de l'anonymat, du pseudonyme, des fausses adresses, des dates trompeuses, des éditeurs clandestins, des lieux clos, celui des couvents, des boudoirs, des bordels, des prisons mais aussi des bibliothèques"*. C'est un monde où il est agréable d'aller... et dont on ressort avec un tas d'envies de lectures.

C'est où ?
BNF, Site François Miterrand
Quai François-Mauriac
Paris 13
C'est quand ?
Jusqu'au 22 mars
du mardi au samedi
de 10 h à 19 h
et le dimanche
de 13 h à 19 h
Fermé le lundi
Tarifs :
tarif plein : 7.00 euros
tarif réduit : 5.00 euros
Site :
www.bnf.fr
*Extraits du catalogue

Christian Lacroix, Histoires de Mode

2008-02-09T11:26:00.000+01:00

Cela fait 20 ans que Christian Lacroix sévit sur les podium. Alors pour fêter ça, les Arts Déco l'ont invité à raconter la mode, à travers la sienne et celle des autres, du XVIIIe à nos jours, et ça donne Histoires de Mode.

L'exposition est colossale : 29 vitrines contenant jusqu'à 40 tenues... soit plus de 400 pièces dont 80 du couturier!! Celles de Lacroix sont exposés sur un mannequin créé pour l'occasion, les autres sur des portants telle une boutique de luxe. Choisis avec la méticulosité du conservateur de musée qu'il aurait voulu être, et selon des thèmes ou des techniques qu'il affectionne et qui ont ponctué l’histoire de la mode, il mets en regard ses propres créations et celles d'autres couturiers marquants connus (Poiret, Jeanne Lanvin, YSL, Christian Dior...) ou pas, créant un jeu d’échos et de croisements entre le présent et le passé. Il a imaginé une exposition où « des lieux, des époques qui n’avaient strictement rien à voir entre eux et qui, frottés comme un silex, font naître une étrangeté (étrange, étranger) d’actualité », organisant les pièces des collections du musée et de ses propres archives autours de thèmes et de motifs (blanc, noir, mixages, pois, fleurs, carreaux, rayures, tweed...).

Mais qui en parle mieux que lui ?

«Ce n’est pas une rétrospective mais mon regard sur les collections de costumes et de mode des Arts Décoratifs. J’ai sélectionné les pièces les plus inspirantes dont certaines n’ont jamais été montrées, pour raconter au mieux l’histoire de la mode tel un conservateur de musée, que j’aurais souhaité devenir.
Ces vingt ans de couture auront été une autre façon de raconter cette histoire, j’ai choisi les maillons forts parmi une sélection de modèles haute couture de la Maison Lacroix allant de 1987 à 2007. Réunis ensuite par thèmes, du blanc au noir en passant par la couleur, les fleurs, les graphismes, l’ethnique... je les ai associés à des pièces du musée, en allant peut-être jusqu’à mixer-centrifuger les périodes entre elles.
Nous garderons un esprit un peu clinique, non techno, tout simplement technique, un univers de portants, de cintres et de mannequins proches du quotidien, imaginés spécialement pour l’événement, un work in progress, puisque la mode ne s’arrête jamais.
Nous avons tout naturellement essayé d’en disséquer quelques aspects tels des arrêts sur image, entre «exposition» et «collection» en devenir - au sens de « fonds » d’un musée, de «compilation» de vêtements et de «présentation» de Couture.
Il s’agit de démonter/remonter les rouages du processus de création, choisir et assembler/télescoper les ingrédients, les données et les documents du patrimoine avec un regard d’aujourd’hui et le futur immédiat en perspective.»

Christian Lacroix. Mai 2007

C'est où ?
Musée des Arts Décoratifs 107 rue de Rivoli - 75001 Paris Tél. : 01 44 55 57 50 Métro : Palais-Royal, Pyramides ou Tuileries C'est quand ?
jusqu'au 20 avril 2008
du mardi au vendredi de 11h à 18h le jeudi de 11h à 21h le samedi et le dimanche de 10h à 18h Fermée le lundi. Tarifs :
Plein tarif : 8 € Tarif réduit : 6,50 € Site : http://www.lesartsdecoratifs.fr/

Jean-Christophe Ballot et Shoji Ueda à la Mep

2008-02-02T19:24:00.000+01:00

« Jean-Christophe Ballot
Urban Landscapes, de Berlin à Shangai »

J'ai toujours aimé la photo d'architecture... j'ai donc particulièrement aimés les portraits de ville de Jean-Christophe Ballot. La chambre, la rigueur, le jeu des lignes, des formes, des matières...

Chicago

Architecte de formation et de profession, le photographe Jean-Christophe Ballot travaille depuis plus de vingt ans sur le paysage urbain, en abordant la dimension scénique et symbolique de l'espace public, les tensions urbaines issues de la rencontre des masses architecturales. Il interroge la mémoire des lieux, révèle la théâtralité de l'architecture des villes.

Shangai

Paris, Berlin, Rome, Shangai, Chicago, New York... Jean-Christophe Ballot affrontes la dimension monumentale des architectures diverses des plus grandes villes du monde. Son regard ordonne l'espace, le construit, sans être jamais réducteur.

Paris

son site : www.jcballot.com/

« Shoji Ueda, une ligne subtile »

Quatre Filles

Paysage de sable blanc, lumière violente, Shoji Ueda revient toujours, viscéralement, aux dunes de Sakaiminato tant elles l’inspirent, par leur capacité à se transformer en théâtre, il en fait d'ailleurs un studio naturel. Il les photographie à toutes les saisons, avec ou sans présences humaines. Je dis présence car ce sont comme des spectres ou des marionnettes dont il tirerait les ficelles... Il y crée un monde, un univers fictionnel avec ses compositions poétiques et étranges, et ses visions panoramiques surréelles pour ne pas dire surréalistes (on pense à Dali, à Tanguy mais aussi à Magritte).

Dans ce qu'il appelle son "théâtre des dunes", il orchestre des scènes où se mêlent famille et amis. En se jouant des perspectives, et en plaçant dans un même axe des sujets répartis sur plusieurs plans, avec une économie de moyens (les accessoires sont peu nombreux et simples : parapluie, chapeau...), il dresse le portrait poétique d'un Japon hors du temps.

Petits naufragés, 1950

Le blanc éblouissant du sable est presque saturé, ce qui est d'autant plus étonnant que Shoji Ueda photographie en noir et blanc. « Le monde en noir et blanc, explique-t-il, recèle quelque chose de mystérieux qui ne peut être décrit, et qui est formidablement séduisant. Est-ce faux de penser que cela touche nos coeurs d’autant plus fort que nous vivons à une époque où tout peut être photographié en couleur ? ».

Dunes, portrait de M. Sohji Yamakawa, 1984

L'expostion nous emmène dans son théâtre mais nous montre également les autres facettes de son travail. Les images sont légères et transportent la bonne humeur. Une découverte !

A voir également à la Mep :

Peter Knapp dont j'aime les concepts mais moins les images.

Stern, 1980

Edouard Boubat : rétrospective d'une des grandes figures de la photographie humaniste.

Lella, France, 1947

Réalités, un mensuel illustré des trentes glorieuses.

C'est où ?
Maison Européenne de la Photographie
5-7 rue de Fourcy, Paris 4
C'est quand ?
jusqu'au 30 mars 2008
Tous les jours de 11 heures à 20 heures,
sauf les lundis, mardis et jours fériés.
Tarifs :
Plein tarif : 6€
Tarif réduit : 3€
plus d'info sur le site : ici

Musée de Arts Décoratifs

2008-01-07T16:50:00.000+01:00

Musée des Arts Décoratifs
107 rue de Rivoli - 75001 Paris
Tél. : 01 44 55 57 50
Métro : Palais-Royal, Pyramides ou Tuileries

Horaires :
du mardi au vendredi de 11h à 18h
le jeudi de 11h à 21h
le samedi et le dimanche de 10h à 18h
Fermée le lundi.

Tarifs :
Plein tarif : 8 €
Tarif réduit : 6,50 €

Site :
http://www.lesartsdecoratifs.fr/

Musée Galliera

2008-01-07T15:51:00.000+01:00

Musée Galliera
10, avenue Pierre 1er de Serbie 75116 Paris
standard : 01 56 52 86 00
Métro Iéna ou Alma Marceau

Horaires :
Tous les jours de 10h à 18h,
et certains jours fériés de 14h à 18h
Fermé le lundi

Tarifs :
Plein tarif : 7 €
Tarif réduit : 5, 50 €

Site :
http://www.paris.fr/

Maison Européenne de la Photographie

2008-01-07T12:33:00.000+01:00

Maison Européenne de la Photographie
5/7 rue de Fourcy - 75004 Paris
Téléphone: (33) 1 44 78 75 00
Fax: (33) 1 44 78 75 15
Métro: Saint Paul ou Pont Marie.

Horaires
Ouvert tous les jours de 11 heures à 20 heures, sauf les lundis, mardis et jours fériés.
Accès à la billetterie jusqu'à 19 heures 30.

Tarifs :
Plein tarif: 6 € Demi-tarif: 3 €
Plus de 60 ans, famille nombreuse, étudiant, enseignant, demandeur d'emploi, bénéficiaire de l'aide sociale et du RMI, Maison des artistes, les abonnés des lieux partenaires.

Site :
http://www.mep-fr.org/

Le centre Georges Pompidou

2008-01-07T12:32:00.001+01:00

Horaires

ouvert tous les jours de 11h à 22h
sauf les mardis et le 1er mai.
Le Musée et les expositions sont ouverts de 11h à 21h
fermeture des caisses à 20h et évacuation des salles à 20h50.
Nocturnes tous les jeudis jusqu'à 23h
pour certaines expositions précisées dans l'agenda des manifestations
fermeture des caisses à 22h.

La Bpi est ouverte
les lundis, mercredis, jeudis et vendredis de 12h à 22h,
les samedis, dimanches et jours fériés de 11h à 22h.
Retrouvez le planning détaillé sur le site de la BPI .

Tarifs
tarif plein : 10€
tarif réduit : 8€

Site
http://www.centrepompidou.fr/

Galerie du Jeu de Paume

2008-01-07T12:31:00.000+01:00

Site Concorde
Jeu de Paume
1, place de la Concorde
75008 Paris
Métro : Concorde
Renseignements : 01 47 03 12 50

Horaires
Mardi (nocturne) : 12h à 21h
Mercredi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi
Fermeture le 25 décembre, le 1er janvier et le 1er mai
En raison des cérémonies, ouverture à 13 heures le 14 juillet

Tarifs :
Entrée : 6 €
Tarif réduit : 3 €
La vente des billets se termine une demi-heure
avant la fermeture des espaces d'expositions.
Un billet groupé pour les sites Concorde et Sully est disponible :
— Plein tarif, 8 €
— Tarif réduit, 4 €
Ce billet est valable pendant toute la durée des expositions sur le deuxième site.
Abonnement annuel
"Laissez-passer" du Jeu de Paume valable un an à compter de l'inscription.
Plein tarif : 31 €
Tarif réduit : 23 €
Duo : 46 €

Site Sully
Hôtel de Sully
62, rue Saint-Antoine
75004 Paris
Métro : Saint Paul (ligne 1) et Bastille (lignes 1, 5, 8)
Bus : 69, 76
Renseignements : 01 42 74 47 75

Horaires
Mardi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi
Fermeture le 25 décembre, le 1er janvier, le 1er mai,
le 1er novembre et le 11 novembre

Tarifs :
Entrée : 5 €
Tarif réduit : 2,50 €
La vente des billets se termine une demi-heure
avant la fermeture des espaces d'expositions.
Un billet groupé pour les sites Concorde et Sully est disponible :
— Plein tarif, 8 €
— Tarif réduit, 4 €
Ce billet est valable pendant toute la durée des expositions sur le deuxième site.
Abonnement annuel
"Laissez-passer" du Jeu de paume valable un an à compter de l'inscription.
Plein tarif : 31 €
Tarif réduit : 23 €
Duo : 46 €

Site :
http://www.jeudepaume.org/

... derniers jours !!

2008-01-02T23:57:00.000+01:00

Oui je sais je suis pénible à toujours aller voir des trucs géniaux au dernier moment. Là, je vous laisse 4 jours... avouez que je suis sympa !!!

De quoi s'agit-il cette fois-ci ?
Des expositions de la MEP.
Jusqu'au 6 janvier, il y en a 8, dont 3 qu'il faut voir !!!

Livre de Nus, une Anthologie.

"Lorsque j'ai commencé à collectionner les livres de nus, je me suis rendu compte qu'ils m'aidaient à connaître la culture d'un pays, à un moment déterminé de son histoire. Intelligents et inventifs, ils reflètent une société complexe, en perpétuelle évolution ; banals et répétitifs, ils sont le signe d'une société en crise."

Commencée il y a plus de trente ans, la collection particulière de Alessandro Bertolotti permet d'explorer le nu en photographie des premiers clichés à nos jours. L'exposition met en scène l'évolution de la représentation du corps en fonction des contextes historiques et sociaux des différentes époques et pays : le naturisme allemand, la culture gay, la révolution sexuelle japonaise, en présentant les oeuvres de nombreux photographes : Brassaï, André Kertész, Bill Brandt,Pierre Molinier, Araki, Mapplethorpe, Witkin pour ne citer qu'eux.

Larry Clark : Tulsa

« Je suis né à Tulsa, Oklahoma en 1943. J’ai commencé à me shooter aux amphétamines à 16 ans. Je me suis shooté tous les jours, pendant trois ans, avec des copains, puis j’ai laissé tomber, mais j’ai repiqué ensuite pendant de nombreuses années. Une fois que l’aiguille est rentrée, elle ne ressort plus. »

Voici ce que l’on peut lire au début de l'exposition. C'est une citation de la première page de Tulsa, le premier recueil de photographies de Larry Clark, paru en 1972, qui retrace huit ans (1963-1971) de sa vie quotidienne dans une petite bourgade de l’Oklahoma. Il s'agit de sa dérive suicidaire et de celle de sa bande de copains shootés à la drogue, à la violence et au sexe, au cœur de l'Amérique profonde. La publication de Tulsa est un choc, non pas pour la violence des images, ou pour la drogue en elle-même, ou pour le malaise dans lequel ils vivent, mais à cause du fait que cela se passe dans une ville lambda de l'Amérique, et non là où on s'y serait attendu : dans les quartiers pauvres ou mal famées des grandes villes. Et que si cela existe à Tulsa, cela existe partout ! Tulsa fait état de la dérive d'une certaine jeunesse américaine perdue entre drogue, sexe et violence. C'est un journal intime de l'ennui et de la misère de l'Amérique profonde.

Le travail de Larry Clark s'incrit dans la lignée des photographes intimistes. Il ne fait pas des images, il raconte des histoires, la réalité souvent d'ailleurs entre violence feutrée et nihilisme affirmé, et sans voyeurisme.

«Lorsque dans les années 60, j'ai commencé à prendre des photos des gens autour de moi, je me fabriquais ma propre mythologie, mon propre univers. Il s'agissait déjà d'un mélange entre réalité et fiction, entre ce que je voyais devant moi et ce que je voulais formuler à partir de cette réalité.»

Merci à clara-lou pour ce montage

Martine Barrat : Harlem in my Heart

Photographe, vidéaste et metteur en scène, Martine Barrat s'installe à New York en 1968 où elle anime avec un groupe de jazz de Saint Louis un atelier de théâtre pour les enfants des quartiers du South Bronx et de Harlem. En 1977, elle débute son travail photographique sur Harlem. Elle y photographie les clubs de boxe, de jeux, les églises... elle dresse le portrait des habitants du quartier. Il n'y a pas beaucoup plus à dire, ou alors tant... il faut VOIR !!!

Pour en savoir plus : http://www.martinebarrat.com/

C'est où ?
Maison Européenne de la Photographie
5-7 rue de Fourcy, Paris 4
C'est quand ?
jusqu'au 6 janvier 2008
Tous les jours de 11 heures à 20 heures,
sauf les lundis, mardis et jours fériés.
Tarifs :
Plein tarif : 6€
Tarif réduit : 3€
plus d'info sur le site : ici

Steichen au Jeu de Paume

2007-12-16T16:26:00.002+01:00

Jusqu'au 30 Décembre, vous pouvez prendre un leçon de photographie à la Galerie du Jeu de Paume, qui abrite la première rétrospective européenne de Steichen.

En bref, car je ne vais pas vous donner un cours non plus, Edward Steichen est l'un des photographes les plus influents de l'histoire de la photographie. Il a fondé avec Alfred Stieglitz la Photo Secession (1902), et a participé activement à la revue Camera Work. Il est à la fois peintre et photographe : portraits, paysages, natures mortes, nus, art, mode, pub... aucun genre ne lui fait défaut. Condé Nast, séduit par son oeuvre, lui a confié en 1923 la direction artistique de Vogue et de Vanity Fair. Son travail de photographe publicitaire qui lui vaudra la réprobation de ses amis artistes, dont Stiglitz n'empêchera pas sa nomination de conservateur de la photographie au MoMA. La célèbre exposition qu'il y organise, The Family of Man, fait le tour du monde à partir de 1955, et accueille environ dix millions de visiteurs. Ce sera le couronnement de sa carrière.

Au travers des 450 images de l'exposition (toutes des tirages vintage, un travail iconographique impressionnant), on découvre ou redécouvre ses images : de ses débuts dans les forêts à ses portraits d'artistes en passant par ses explorations techniques. On regrette juste de ne pas avoir révisé ses cours d'histoire de l'art...

C'est où ?
Galerie du Jeu de Paume, site Concorde
C'est quand ?
jusqu'au 30 décembre 2007
Tous les jours sauf les lundis.
Mardi de 12h à 21h Mercredi à vendredi de 12h à 19h Samedi et dimanche de 10h à 19h tarifs
Plein tarif : 6€
Tarif réduit : 3€
plus d'info sur le site : ici

Photoquai...

2007-12-05T23:09:00.001+01:00

Oui Photoquai c'est fini... c'est pour ça que je ne me pressais pas pour vous faire part de ce que vous avez raté.

Photoquai c'était quoi ?
Une biennale consacrée à la photographie contemporaine et plus précisément aux "arts visuels non occidentaux". Photoquai rassemblait donc une centaine de photographes étrangers et de montrer le monde non occidental tel qu'il est vécu par ceux qui y vivent.

Très belle expo, très riche, très dure.

Plus d'infos : on the web !!!

Design contre Design

2007-10-31T14:03:00.000+01:00

Le mot « design » est en crise. Chacun y voit ce qu’il veut et ce mot longtemps interdit dans le langage institutionnel en France est devenu synonyme de tendance. L'exposition du Grand palais est là pour lui redonner son sens originel. Design contre design confronte des objets et des meubles de l’environnement domestique de la révolution industrielle à nos jours. Au lieu d'une chronologie complexe et sans réel sens, elle met les objets en parallèle autour de quatre thèmes (formes, styles, environnement et architecture) et trois oeuvres majeures (L'Iceberg, The Womb House et Phantasy Landscape).

L'Iceberg, De Zaha Hadid, 2003

The Whomb House, Van Lieshout, 2004

Phantazy Landscape, Verner Panton, 1970

"La Forme :

Les formes ne sont bonnes qu’en apparence. Il ne faut pas s’y fier. Elles sont souvent le fruit d’un mouvement, d’une construction, et elles peuvent aussi prendre le large, s’avachir, s’évanouir. De la forme à l’informe, la vie des formes est profuse, indéfinie. Des images naissent à leur vue, des sentiments s’ébauchent, des suggestions s’imposent. Les formes ne sont mortes que pour les yeux atones. Elles ne demandent qu’à parler, encore faut-il savoir les écouter. Les formes ne sont bonnes qu’en apparence. Il ne faut pas s’y fier. Elles sont souvent le fruit d’un mouvement, d’une construction, et elles peuvent aussi prendre le large, s’avachir, s’évanouir. De la forme à l’informe, la vie des formes est profuse, indéfinie. Des images naissent à leur vue, des sentiments s’ébauchent, des suggestions s’imposent. Les formes ne sont mortes que pour les yeux atones. Elles ne demandent qu’à parler, encore faut-il savoir les écouter. "

Styles :

Temps de respirations, les deux rotondes qui servent d’articulation aux galeries évoquent la persistance des styles occidentaux ou exotiques autour de quelques pièces phares comme le bureau Cinderella Jeroen Verhoeven, le radiateur en rinceaux de béton de Joris Laarman ou le canapé éclaté de Robert Stadler.
La table rase des modernes croyait avoir « définitivement » éliminé les styles, mais ils sont revenus, cités, déformés, tournés en dérision, comme de vieux souvenirs qui nous sont chers… malgré tout. Quand l’ornement de béton vient cacher les tubes modernistes, c’est un double pied de nez à l’orthodoxie du lisse et du lisible. Quand la résine, remplaçant les vieilles matières, garde la forme, les fantômes familiers reprennent chair. L’ordinateur réduit aujourd’hui les querelles théoriques à peu de chose. Les styles, les genres, les images de toute sorte sont digérés par le computer pour générer de toujours nouvelles inventions.

Sources :

Quand le bon goût blanc et noir, beige ou grège, perdure, quand le raffinement s’exténue, un besoin pressant se fait jour d’excès, de violence et de bigarrures. Les arts primitifs, sauvages ou ethniques, viennent au secours des créateurs fatigués. L’homme civilisé retourne à sa hutte, se tatoue, s’entoure de peaux de bêtes et boit dans des cornes évidées comme son hypothétique ancêtre des cavernes. Au xixe siècle, chaque pays d’Europe revient à ses barbares, celtiques, wisigoths ou mérovingiens,puis c’est l’Afrique qui donne le ton dans les années 1920, avant que de nouveaux « bons sauvages » ne s’imposent dans les années 1980.

L'environnement :

Un siège a, comme nous, une assise, des pieds, des bras, un dos, et même parfois des oreilles. « Dès qu’on a le dos tourné… », nous conte Philippe Ramette. Tout est bon pour le designer, les formes humaines mais aussi animales qui les transforment en animaux domestiques. Pour agrémenter notre zoo, les plantes donnent aux objets leurs racines, leurs tiges, leurs troncs, leurs feuilles ou leurs fleurs. Les pierres elles-mêmes s’invitent à la maison pour éclairer les moquettes à l’herbe drue ou les tapis de mousse. Ultime métaphore organique, la matrice donne sa forme à une chambre, permettant à chacun de surmonter le célèbre « traumatisme » de la naissance et de revenir dans le meilleur abri, le ventre maternel."

On sent à travers ces textes (sur les murs de l'exposition), l'amusement des commissaires de l'exposition. Le design est un jeu... laissons parler les images :

Mes coups de coeur :

Ingo Maurer et ses luminaires extraodinaires. Son site ici.

Tord Boontje et sa lampe Icarus. Informations ici.

C'est où ?
Grand Palais
C'est quand ?
jusqu'au 7 janvier 2008
Tous les jours sauf les mardis.
De 10h à 20h, les mercredis et vendredis jusqu'à 22h
A partir du 10 novembre, nocturne supplémentaire
les samedis et dimanches jusqu'à 22h
tarifs
Plein tarif : 10€
Tarif réduit : 8€

Pour en savoir plus, le site de l'exposition.